Con la excusa del lanzamiento de su nuevo disco Don’t Go In The Forest, entrevistamos a Johannes Eckerström, vocalista de Avatar.
Hola Johannes. Gracias por tu tiempo y tus respuestas, ¿Cómo estás?
Estoy bien, gracias. Ahora mismo estoy sentado en casa, en Helsinki. La semana pasada estuve viajando un poco por temas de prensa, lo cual fue un cambio de ritmo agradable, porque realmente no hemos viajado para hacer entrevistas desde antes de la pandemia. Pero también es práctico hacerlo así, sabes, he hecho la colada al mismo tiempo que atendía a la prensa, es muy práctico…
Empecemos a hablar del álbum, si te parece Don’t Go In The Forest se siente como un descenso hacia algo primitivo y surrealista .¿Qué experiencias personales o sueños dieron forma a sus temas líricos?
Bueno, creo que es algo que atraviesa todo el álbum, hay muchas cosas, pero como digo, la parte onírica es la más importante si lo resumimos, porque realmente fue el método que cambió hacia algo bastante distinto para mí esta vez. Si piensas en las ideas, en cómo todas nuestras ideas empiezan en algún lugar del subconsciente. Primero tienes algo en el fondo de la cabeza, y luego salta al frente de tu mente y empiezas a lidiar con esa idea. Y he estado imaginando esta idea de escribir canciones, especialmente letras, también sobre la música, pero con la idea de que te sumerges en un lago, nadas hasta el fondo y encuentras algo en el barro del fondo.
te sumerges en un lago, nadas hasta el fondo y encuentras algo en el barro del fondo.
Y luego nadas hasta la orilla y lo observas, y te preguntas: ¿Qué es esto? ¿Qué significa? ¿En qué podría convertirse? Y creo que antes tenía prisa por responder esa pregunta, por pasar de ese flujo libre, ese lugar de conciencia espontánea, a algo más concreto, como armar un rompecabezas para entenderlo, encajando todas las piezas. Esta vez, creo que aproximadamente la mitad de las canciones se beneficiaron de un método en el que simplemente me quedaba en el subconsciente, me quedaba en el lago. Y no necesitaba saber, después de dos líneas de letra, qué significaba algo o en qué iba a convertirse.
Y simplemente confiaba en que había, sabes, un sentido de belleza, un “oh, esto me gusta”. Vamos a ver a dónde lleva. Y seguía escribiendo desde esa mentalidad.
Confiaba en que, bueno, al final tendría sentido. Y así fue. Canciones como Captain Goat surgieron así, empezaron desde un lugar muy fonético, realmente, solo este canto de “he” y “who” y “he” y “who” y viendo agua. Me quedé ahí, me quedé ahí.
Y al final, cuando todo estuvo terminado, lo miré y pensé: “Ah, Satanás, pensé que ya habíamos acabado”. Hice mucho en Dance Devil Dance, claro, pero parece que se me escapó un poco más. Aunque no decidí que fuera eso hasta que todo estuvo hecho, muerto, desaparecido y vuelto otra vez, lo que se convierte en esta historia de fantasmas, un misterio de asesinato, que realmente empezó con las palabras “Maté a un hombre, una mujer, para matar otra vez, como hacen los asesinos”.
Y todo fluyó, fluyó bastante desde ahí. También diría que Take This Heart and Burn surgió mucho de ese lugar, y Magic Lantern también, y cómo los recuerdos y estas versiones soñadas y extrañas de los recuerdos influyen. Howling at the Wave también está moldeada por sueños extraños.
Así que hay mucho de eso en este álbum en general. Luego, algunas canciones vinieron de un lugar más concreto, más típico. Como “esto me cabrea, voy a cantar sobre ello ahora”, sabes, también hay algo de eso.
Hablemos de Captain Goat, que mezcla metal puro con lo espiritual, lo bailable y cosas extrañas. ¿Fue esto un experimento consciente de estilo o una evolución subconsciente como banda y como canción?
Bueno, nunca tuve la oportunidad de hablar con Tim exactamente sobre de dónde vino, porque él se encargó del trabajo de guitarra y de todo eso, de armar la canción, eso fue prácticamente todo suyo, según recuerdo ahora.
Luego todos aportamos algo en los arreglos, especialmente cuando yo canto. Pero esa es muy su canción hasta que yo pongo las voces. Y como dije, fue una de esas que realmente surgió desde ese lugar subconsciente.
Todo esto tiene un enfoque muy Black Sabbath, o al menos lo que yo saco de Black Sabbath. Y cuando haces metal, ¿Qué haces? Pues intentas crear un riff realmente potente, y luego tienes que decidir qué deben hacer las baterías, porque cuando logras encajar el ritmo adecuado con el riff adecuado, la magia que ocurre, en el mejor de los casos, es que se genera una atmósfera.
Para mí, eso significa que empiezan a proyectarse pequeñas películas en la cabeza. Te transporta a algún lugar. Y esa canción, por alguna razón, me llevó al agua, a grandes olas, a faros, a rocas escarpadas, a todo eso, esa fue la película. Así que simplemente escribí esa película, supongo.
¿Y qué hay del videoclip?
Fue muy cómodo de grabar porque estuve sentado casi todo el tiempo frente a una pantalla verde. Mi hermano interpretó al macho cabrío, así que pudimos pasar tiempo juntos. Y cuando tuve que caerme, lo hice sobre un colchón.
Para grabar Captain Goat tuve que meterme bajo el agua y hacer sincronía labial, y eso sí fue difícil. Pero también fue un reto divertido, difícil en el buen sentido.
Luego tuve que meterme bajo el agua y hacer sincronía labial, y eso sí fue difícil. Pero también fue un reto divertido, difícil en el buen sentido, como con un toque de machismo, ¿sabes?, ver de qué eres capaz y qué puedes lograr.
Hubo algunos desafíos. Primero, una sensación muy extraña al ponerme pesos en los bolsillos y meterme al agua. Va contra todos los instintos sentir ese tipo de peso en el agua, aunque pudiera ponerme de pie y el agua no pasara del pecho, seguía siendo algo inquietante, raro.
Durante la filmación, teníamos una cámara muy buena con una carcasa submarina excelente. Por supuesto, se rompió después de unas pocas tomas, así que tuvimos que cancelar, pero descubrimos que alguien tenía el iPhone más nuevo, y tenía suficiente resolución como para protegerlo y grabar con él bajo el agua.
Claro, como tiene todos esos ajustes automáticos que el fotógrafo no puede controlar, hubo muchos cambios de luz y color constantes, lo que hizo que fuera una pesadilla procesarlo después, ajustar el color y todo eso. Pero ese fue el problema de Johan. Básicamente hicimos tres ángulos, uno un poco más alejado desde el frente, otro más cercano y otro desde el lateral. La primera toma salió muy bien. Una vez que arreglaron la cámara, la segunda empezó a ser más difícil, empezó a picar en los ojos. La tercera toma, todo desde el lateral, esa fue la tercera vez que me metí, eso sí que ardía como el infierno.
Por suerte llevaba pintura negra en la cara, así que no se nota lo rojos que estaban mis ojos. Pero al final del videoclip, mis ojos están tan hinchados que apenas se ven, porque estaban completamente inflamados por el agua clorada de la piscina. Se puso un poco brutal, pero también disfruté de estar tanto tiempo en el agua. Te deshidrata y, no sé, te tonifica de una forma rara. Así que me veía muy musculoso después. Esa parte me gustó.
Vaya, qué duro es ser una estrella del rock.
Sí, bueno. He tenido trabajos de verdad en mi vida, así que no me quejo. Pero al final fue un poco duro, para ser sincero, aunque de ese tipo de dureza que se disfruta. Me gustó, disfruté el reto.
¿Cómo fue diferente el proceso de composición respecto a Dance Devil Dance? ¿Fue más intuitivo, más caótico o más estructurado?
Hay muchas similitudes, simplemente porque, ya sabes, haces una gira, luego tienes tiempo para escribir, luego nos encontramos y escribimos juntos.
Desde el punto de vista de trabajo de oficina, es bastante parecido. La diferencia está más bien en lo que nos interesa hacer en ese momento, y eso afecta un poco al trabajo y a todo lo demás. Y aquí es donde entra que somos muy democráticos, al escribir: tres de nosotros solemos proponer las ideas iniciales.
Pero una vez que están ahí, todos empezamos a aportar y jugar con ellas, es algo muy colectivo. Y con eso, creo que para todos nosotros había una idea más estricta de lo que Dance Devil Dance debía ser. Empezó con un plan, igual que Avatar Country. En cambio, Hunter Gatherer fue más libre.
Un enfoque de “veamos qué pasa”. Es como cuando haces Sgt. Pepper, luego quieres hacer el White Album. Y este álbum fue más tipo White Album, más libre en su forma.
Dance Devil Dance se construyó mucho alrededor de la idea de que el metal es música para bailar, porque es rock and roll, es movimiento, tiene una sección rítmica, tiene batería y bajo. Así que necesitas hacer que el cuerpo se mueva. Y también, si piensas en los bailes, si tienes una bossa nova, no metes una samba en medio.
Haces una canción de samba después, en ese caso. Así que era muy de una cosa a la vez, con una estructura directa en Dance Devil Dance. En este álbum, permitimos que las cosas tomaran más giros, cambios de tempo, y que cada canción hiciera un viaje más largo, más psicodélico. Ese enfoque fue creciendo con el tiempo, con menos reglas esta vez.
¿Cómo te gustaría que se sintieran tus fans al escuchar el álbum por primera vez?
Esa es una buena pregunta, porque hay muchas emociones distintas en él. Y a veces no se trata tanto de algo específico, sino de que simplemente quieres generar una sensación de conexión, cuando te expresas y compartes algo. Pero ciertamente hay mucha melancolía y rabia.
Hay muchas partes introspectivas, pero también cosas que te enfadan, como con la canción Tonight We Must Be Warriors. Realmente quería darle a la izquierda política una canción estilo Manowar, básicamente.
Porque si miras ese tipo de metal clásico, canta sobre guerreros y reyes. Y yo solo puedo escribir sobre un rey si ese rey es Jonas, porque entonces sí, entonces canto sobre un rey porque es uno de mis mejores amigos y lo quiero. Entonces puedo escribir sobre todas las cosas buenas de un rey.
Pero en realidad, no soy muy partidario de las formas autoritarias de gobierno, lo que significa que cuando se trata del término “guerrero”, estaba cantando sobre guerra y metal, y ese tipo de metal épico, el uso inspirador del término “guerrero”. Me gustan muchas canciones así pero cuando pienso en guerreros, cuando pienso en soldados, seguramente podría escribir algo sobre el sacrificio, seguramente podría escribir algo sobre el valor, pero no podría realmente glorificarlo, porque lo primero que me viene a la mente cuando pienso en soldados es la tragedia, la pérdida y los fracasos.
lo primero que me viene a la mente cuando pienso en soldados es la tragedia, la pérdida y los fracasos.
En el caso de esta canción, Tonight We Must Be Warriors, las dos palabras más importantes ahí, creo, son “debemos ser”. Es plural. No es que yo sea un guerrero, tú seas un guerrero, él sea un guerrero fuerte. Es algo que debemos hacer. Debemos unirnos y hacerlo. Así que ya tiene una perspectiva colectiva, hacer algo porque es necesario.
Y luego la canción, está muy codificada con el color rojo, lo cual, por supuesto, también tiene una carga política, canto sobre soñadores dispersos en la autopista, pero básicamente sobre personas perdidas y solas.
Pero luego los números se juntan, pasas de uno a mil, a un millón, y empiezas a convertirte en un problema para las fuerzas que están al mando. Así que, básicamente, si alguien escucha esa canción y, en ese proceso, se convierte en la banda sonora de que empiecen un sindicato y se declaren en huelga, estaría más que encantado. Pero claro, es una meta bastante ambiciosa.
Te escucho y parece que este álbum no podría haberse hecho en otro momento. ¿Qué ha cambiado en la banda para que este fuera el momento adecuado para hacerlo?
Bueno, cada álbum es así. No es que estuviéramos esperando para hacer este, es más bien la idea de que cada disco es un reflejo de dónde estamos en ese momento.
Es simplemente algo que creo que como artista, siempre he sido un gran fan de Devin Townsend, por ejemplo, siento que una de las razones por las que soy tan fan es que cada uno de sus álbumes es una reflexión honesta de dónde está él en ese momento en que se hace la música.
Eso significa que siempre es sorprendente, siempre musicalmente interesante, y siempre existe la posibilidad de que lo próximo que haga sea lo mejor que ha hecho en su vida. Porque siempre hay esa apertura al cambio, en lugar de que te hagas popular a los 20 años porque cantas sobre strippers y emborracharte, y luego tengas que seguir haciendo eso a los 70. Eso, normalmente, no es lo mío.
Así que aquellos que encuentran nuevos ángulos, que evolucionan, que tienen la autenticidad y el coraje para hacerlo como artistas, especialmente cuando ya has tenido cierto nivel de éxito con algo, podrían sentir la tentación de repetir esa fórmula secreta. Pero nosotros no la tenemos.
Hay un nivel de madurez, de crecimiento y retroceso, y todas esas cosas complicadas que forman parte de ser humano, que informan cada álbum. Y tratamos de ser honestos con eso, de no decir “hicimos Hail the Apocalypse, así que ahora toca Hello End of the World”, Tiene que ser una continuación de alguna manera, y desafiar ideas.
Como Death and Glitz, ahí realmente siento que quizá no podría haberla hecho antes. Porque en el pasado, cuando miro canciones que escribí siendo más joven, si había una figura femenina en la canción, cómo la ponía en un pedestal, lo cual, bueno, es algo típico cuando eres joven.
Y también, cuando quieres decir algo triste, entonces puedes victimizar a la mujer porque tiene ese aspecto gótico, de ángel sangriento, Que es un cuerpo femenino muerto, muy gótico. Y todo eso tiene su tiempo y lugar, tanto para hacer ciertas canciones como para interpretarlas y entender sus motivaciones. Y estoy bien con eso, sigo defendiendo esas canciones hoy.
Pero ahora quizá tengo el vocabulario para pintar un cuadro más complejo. Y en el caso de Death and Glitz, hoy en día todo el mundo parece amar los documentales de crímenes reales. Están en Netflix, en podcasts, y todo trata de asesinatos reales, misterios reales. Y tan a menudo es una chica joven y hermosa que fue de excursión con su novio y solo él volvió, o fue secuestrada, o fue el marido. Y tan a menudo tienen que ser jóvenes, hermosas y mujeres.
Y empieza a molestarme con el tiempo, porque si siempre es eso, nunca es el abuelo, son chicas atractivas muertas. Y creo que, por lo que he visto, incluso es más popular entre mujeres que entre hombres. ¿Por qué necesitamos que sea así? Siento que hay algo en el cadáver hermoso que parece atraer mórbidamente a la gente. Creo que cuando alguien está muerto, puedes rellenar los espacios en blanco. Puedes proyectar sobre esa persona., puedes proyectar el deseo.
Tenemos todo ese dilema de la “Madonna y la prostituta” ¿Quién se supone que debes ser? Y el hombre puede fantasear con “quizá podría haberla salvado”, y todo eso. Y empezó a parecerme realmente extraño y repugnante. Porque es diferente: el metal y el arte lidian con cosas horribles todo el tiempo. Especialmente el metal es ese acto de equilibrio entre entretenimiento, música poderosa, mosh pits emocionantes, crowd surfing, headbanging y luego tragedia, guerra, depresión. Todo eso se mezcla de una manera muy extraña.
el metal y el arte lidian con cosas horribles todo el tiempo
Pero creo que hay algo en el crimen real, cuando hay sobrevivientes reales, padres reales, y sigue siendo parte del entretenimiento, y no es histórico, es lo suficientemente reciente como para sentirse cercano… que lo hace, no sé, muy poco empático. Y por eso Death and Glitz habla de una manera más compleja sobre una mujer victimizada en una canción de heavy metal. Porque ha habido muchos cuerpos muertos, cuerpos femeninos muertos en el metal, Pero aquí es como mirar frases como “les gustas más así”, “aman tu muerte y tu brillo”, “nadie más obediente que tú”.
Y luego está la fotografía de la escena del crimen, la investigación que parece paparazzi. Todas esas imágenes que, si ahora como hombre blanco heterosexual, voy a entrar en una discusión feminista sobre lo problemático que es todo esto… podría ser otra entrevista.
No creo que hubiera podido abordar Death and Glizt cuando tenía 20 años, aún hoy, mi perspectiva podría estar completamente equivocada.
Solo estoy diciendo lo problemático que me parece el género del true crime. No creo que hubiera podido abordar esto cuando tenía 20 años. Y aún hoy, sabes, mi perspectiva podría estar completamente equivocada.
Esto es solo un análisis y una emoción en el tiempo. Y tengo que ser lo suficientemente hombre como para respaldar lo que he dicho o entender y aprender dónde me equivoqué con el tiempo y hablar de ello. Y otra vez, una canción que habla sobre un tema así, porque sigo siendo, no soy solo un tipo del heavy metal que escribió una canción sobre una chica muerta.
El tema se vuelve complejo y necesita mucha consideración. Así que ese tipo de cosas, pensarlas de forma más profunda y con capas Habría sido complicado para mí en el pasado. Claramente lo fue, porque no lo hice en Bloody Angel, por ejemplo.
Por eso Avatar es especial. El siguiente paso tras el álbum es llevarlo al escenario. ¿Lo tienes todo? ¿Está todo preparado? ¿Estás listo y con ganas de volver a salir de gira?
Absolutamente. Lo primero que vamos a hacer es un concierto en Ciudad de México, que será el gran estreno, pero también el show más grande como cabezas de cartel que hemos hecho hasta ahora. Parece que probablemente se agotarán las entradas, y aunque no sea así, ya se ha vendido lo suficiente, así que es algo muy importante para nosotros.
Después vamos directamente a Las Vegas, y desde ahí comenzamos una gira por Estados Unidos durante un mes. El escenario ya está construido, diseñado, todo está tomando forma. Se apoya mucho en esta idea de Avatar como un circo metálico, porque tienes, por supuesto, los elementos, las ideas, todo lo que nos preocupa ahora con este álbum y lo que significa.
El pasado significa, que hemos construido ciertas tradiciones alrededor de algunas canciones. Cuando toco, cuando canto Bloody Angel, llevo mi sombrero y mi abrigo rojo, cosas así. Y también conectar con Avatar Country y hacer todo eso, además de elegir las canciones adecuadas, esas joyas ocultas que no hemos tocado en mucho tiempo.
Luego está el presente, en el que aproximadamente un tercio del repertorio es material nuevo, porque eso es el aquí y ahora, y nos volcamos en ello. Y luego, a lo largo de los próximos, quién sabe, 200, 300 conciertos, lo que sea, descubriremos cosas nuevas sobre la música, creceremos con el nuevo material, y yo plantaré la semilla de lo que haremos después, porque pequeños cambios irán ocurriendo.
Es decir, subimos al escenario con un plan: las canciones están escritas, ensayadas, el show está diseñado, pero luego estás en una sala llena de gente, y pasan cosas, pequeñas cosas, y yo empujo las canciones en direcciones distintas.
Y eso probablemente, ya sabes, ayudará a marcar el rumbo de lo que venga después.
Johannes, gracias por esta interesante charla, esperamos veros pronto por aquí.
Gracias a vosotros, seguro que nos vemos pronto.
En grupo estará en España el próximo mes de febrero de la mano de Madness Live.
